Kirsten Jäschke

Eröffnungsrede

Liebe Besucher, lieber Jakob,

wir – also das Galerieteam Thomas Matauschek, Henry Puchert und ich – freuen uns, gleich zu Beginn des Jahres wieder eine großartige Ausstellung präsentieren zu dürfen. Und wir freuen uns sehr, dass sie gekommen sind um daran teilzuhaben.

Jakob Flohe wurde 1981 in Cottbus geboren. Er studierte an der HfBK Dresden bei Elke Hopfe und Ralf Kerbach und war dann Meisterschüler bei Monika Brandmeier.

Wie auch die Arbeiten seiner Lehrer lassen sich besonders Flohes Tuschezeichnungen durchaus als verhalten expressiv und persönlich aufgeladen lesen.

Zu Beginn des Versuchs, Jakob Flohes Intention und Vorgehensweise in Worte zu fassen, stieß ich auf einen Textauszug aus einem Buch von Peter Handke. Es heißt Gestern unterwegs, Aufzeichnungen November 1987 bis Juli 1990. Ich lese ihn mal vor:

Der eigentliche Tagesanfang; das Werden der Formen – das Sichzacken der Platanenblätter, die auf dem nassen Asphalt liegen – und das Übergehen der Formen auf mich, wodurch ich ersetzt und erweitert werde.

Ich glaube, dass der hier beschriebene Prozess auf viele kontemplativ aufgelegte Künstler aber eben auch auf Jakob Flohe als einem kontemplativen Menschen und Künstler zutrifft. Man nimmt allerlei Eindrücke aus der Umgebung in sich auf und diese Eindrücke verdichten sich im Zusammenspiel mit der eigenen aktuellen Disposition zu einer Gestimmtheit, die in einem Moment der Konzentration intuitiv in Form gefasst wird.
Der kurze Ausschnitt passt auch deshalb gut, weil zwar die Arbeiten Flohes weder die sichtbare Welt abbilden noch direkten Bezug darauf nehmen, sich aber dennoch darin eine poetische bis kantig rational maskierte Essenz des subjektiven Aufnehmens und Verarbeitens von Realität spiegelt.
Flohe fasst die ihrem Wesen her flüchtige Erscheinung von Raum und Zeit in bewegten Zeichnungen – früher in rhythmisch fließenden mit Pinsel und Tusche ausgeführten linearen Setzungen, seit einigen Jahren mit streng geometrischen, meist weißen Farbstiftzeichnungen auf schwarzer Pappe.

Sie sehen hier eine Auswahl von Arbeiten aus den letzten 15 Jahren.

In den bis ca. 2016 entstandenen und im Lauf der Zeit immer reduzierter werdenden Tuschezeichnungen geht es um Rhythmen, Abstufungen von Hell und Dunkel, Andeutungen von Bildern und das Festhalten des Augenblicks, in dem sich Bewegung ereignet, kurz um ein atmosphärisch aufgeladenes Umschreiben eines Moments subjekBver Wahrnehmung, das sich einer konkreten Einordnung entzieht.
Der Vorgang des Zeichnens mit dem Pinsel ähnelt hier der Aufführung eines weitgehend improvisierten Musikstücks.
Körper und Geist des Spielenden gehen im besten Fall eine Symbiose mit dem Instrument ein, wodurch sich seelische Impulse unmittelbar in Klang und Rhythmus spiegeln. Die Physis des Künstlers ist eng an sein Instrument, also hier an den mit Tusche gefüllten Pinsel gekoppelt und daher auch in der fertigen Zeichnung unterschwellig stets präsent.

Die neueren Farbstift- und Kreidezeichnungen sind frei von solch sublimen sich aus dem intuitiven Zeichnen mit der Tusche ergebenden, das Subjektive und Einzigartige der Wahrnehmung betonenden Nuancen.
Der Körper der sie schuf versteckt sich hinter den Kulissen.
Sie lesen sich ohne festgesetzten Anfang oder ein bestimmtes Ende und umschreiben trotz ihrer illusionär in den Raum eintauchenden geometrischen Formen und Linien kein statisch umgrenztes Volumen.

Eine Reihe der Zeichnungen aus dieser Reihe trägt ebenso wie die Ausstellung im Ganzen den Titel „Unfold“, was übersetzt aufklappen oder auch entfalten bedeutet. Dementsprechend wölben sich die wie Faltungen erscheinenden geometrischen Formationen im Auge des Betrachters mal nach außen und mal nach innen, wodurch sie stets in Bewegung zu bleiben scheinen.
Daraus entsteht die beinahe romantische Idee von Körpern, die ihre Geschlossenheit aufgeben um in der Fragmentierung und einer auch dadurch ermöglichten Bewegtheit etwas von der Unbestimmtheit eines grenzenlosen Raumes in sich aufzunehmen oder sich darin zu verlieren. Durch die Preisgabe des eigenen Volumens leichter geworden beginnen sie zu schweben.

Manchmal entsteht wie im Tanz ein verbindlicher und zugleich loser Kontakt zwischen einzelnen Elementen, das im Bild eingelöste Versprechen „to stay in touch“.
Hinter der Maske des Kantigen und Rationalen, die vordergründig mit der ihr eigenen Bestimmtheit auftritt erscheint durch die Selbstvergessenheit der Körper ein Paradox. Eine als variabel und fast fließend wahrgenommene Bewegungsabfolge setzt der Härte der Umrisse etwas verhalten Schwungvolles und Spielerisches entgegen.
Die Wandzeichnungen die sie hier sehen hat Flohe speziell für diese Ausstellung angefertigt. Hier drängt sich eine gefühlte Nähe zu Tanz und Choreografie durch das menschliche Maß besonders auf.

Die bei näherem Hinsehen porösen mit Kreide oder Buntstift gezeichneten Linien assoziieren nicht nur eine gewisse Brüchigkeit. Die Vorstellung wie demnächst jemand mit dem Schwamm über die Tafel wischt und die Zeichnung enkernt, liegt ebenfalls nahe. Solche wenn auch dezenten Verweise auf Alltag und Vergänglichkeit ziehen das Pathos des Absoluten, das der zackig-strengen Darbietung in Schwarz-Weiß innewohnt, ebenfalls ins Absurde.
Ein weiterer häufig aufretender Titel ist Resonanz.
Resonanz findet statt, wenn durch die Schwingung des einen Körpers die Eigenfrequenz des anderen angeregt wird.
Eine jeder Statik entgegengesetzte Erschütterung kommt in Gang.
Etwas auf die Spitze getrieben formuliert zeichnet Jakob Flohe also Formen, die sich in der Bereitschaft sich von Außenimpulsen in Schwingung setzen zu lassen, ein Stück weit selbst aufs Spiel setzen. Sie sind in Bewegung bleibend zur Selbstverwandlung bereit.
Mit diesem Hoffnung weckenden Gedanken entlasse ich Sie in die Ausstellung.